Деградация искусства на примере живописи О. А. Корниенко, Ф. Н. Семевский 25.02.2020

@kottt73

Ниже искусство понимается как способ вызвать у зрителя, читателя, слушателя какие-то чувства или представления. При этом антоним искусства - логика. Логика стремится что-то доказать в рамках принятых участниками диалога постулатов.

Об искусстве писали люди, далеко превосходящие авторов по своему культурному уровню.

Флоренский (1985) пишет, что задача искусства - воплощение в образах истинного духовного опыта. Вершина искусства - древняя византийская и русская живопись. "В самых приемах иконописи, в технике ее, в применяемых веществах, в иконописной фактуре выражается метафизика, которою жива и существует икона". Высшим проявлением культурной деятельности будет, по его мнению, Богослужение   синтез искусств и синтез человеческой деятельности.

Лихачев (1999) утверждает, что Искусствоведение не может быть объективным. Не может давать однозначных результатов. Чтобы понять его, нужно проникнуть в картину мира художника.

Аверинцев (1975) указывает на включенность как творца произведения искусства, так и искусствоведа в процесс истории и невозможность взглянуть на этот процесс со стороны, объективно.

Кандинский (2001) и Лихачев (1999) утверждали первичность искусства в сфере познания и духа перед наукой.

Флоренский (2000) был менее категоричен и придавал равное значение науке и искусству.

Подавляющее большинство современных искусствоведов и художников уверены в высоком предназначении искусства, его способности превзойти творца и природу, переделать мир. Гельман, например, убеждает читателя в том, что стоимость всех работ Пикассо - это где-то половина стоимости Газпрома: 90 миллиардов долларов. Это, конечно, не так. Газпром дает работу 400 тыс. человек и обеспечивает значительную долю доходов бюджета.

Гельман полагает, что коллекционеры покупают картины, чтобы обеспечить себе бессмертие. Это также весьма сомнительно. Существует множество различных объяснений страсти к коллекционированию. Достаточно, что такая страсть есть и при этом люди часто собирают всякую дрянь.

Многие специалисты видят прогресс искусства, другие расценивают происходящие изменения как регресс.

Гегель был первым или одним из первых философов, предсказавших грядущую деградацию искусства. Бердяев в начале ХХ в. писал о кризисе искусства. Хайдеггер и Маркузе видели несовместимость технического прогресса с искусством и предрекали гибель последнего. Вейдле видел в искусстве, лишенном христианских корней, "мерцвеца, жаждущего воскресения".

В то же время вожаки новых направлений - абстракционизма, гиперреализма, футуризма, кубизма, дадаизма, сюрреализма, фовизма, экспрессионизма, вортицизма, супрематизма, конструктивизма, арт-деко, авангарда, кубофутуризма, неопластицизма, орфизма, реди-мейд, поп-арт, примитивизма, кинетизма, оп-арт, минимализма, концепт, боди-арт, лендарт, медиа, флуксус, видео-арт, гиперреализма, и т.д. декларируют прогресс.

Все авторитеты настаивают или подразумевают, что для понимания искусства надо обладать большими знаниями. Этих знаний ни у автора, ни у среднего человека нет. А разобраться хочется. Нам думается, что это можно сделать, рассматривая ценностную сторону искусства.

Нам интересна история искусства, и прежде всего живописи, как показатель изменений картины мира человека. Живопись попала в особенно тяжёлое положение в результате изобретения фотографии, кинематографии, телевидения, Интернета.

Можно согласиться с высоким призванием средневекового искусства, если принять точку зрения отца Павла [Флоренского]. Сейчас Гельман (2007) говорит: "Художник давно отказался от роли учителя и нравственного авторитета".

Современный художник, скорее всего, не понимает, что такое дух, и тем более не верит в существование "истинного духовного опыта".

Современные художники зарабатывают деньги, выполняют любой хорошо оплачиваемый заказ.

Аверинцев (1975) отмечает, что произведение искусства может быть рассмотрено со стороны совершенства и со стороны ценности.

Внутреннее совершенство оценивать мы не берёмся. Это дело искусствоведов.

Профсоюз художников определяет рейтинг художников, скульпторов и графиков следующим образом.

1 - художник мировой известности, проверенной временем (не менее одного века).

1А - художник мировой известности.

1В - художник-профессионал высокого класса с выдающимися организаторскими способностями, пользующийся безусловным спросом и популярностью.

2А - художник-профессионал высокого класса с ярко выраженной индивидуальностью.

2В - художник-профессионал высокого класса, востребованный художественным рынком и публикой.

3А - художник-профессионал с узнаваемым индивидуальным почерком, востребованный художественным рынком и публикой.

3В - художник-профессионал, востребованный художественным рынком и публикой.

4А - профессиональный художник с творческим потенциалом, имеющий перспективную оценку специалистов.

4В - состоявшийся профессиональный художник.

5А - сложившийся художник с творческим потенциалом.

5В - сложившийся профессиональный художник.

6А - художник с творческим потенциалом.

6В - профессиональный художник.

7 - начинающий художник.

Художник категории "А" практически не подчинен запросам рынка.

Художник категории "В" ориентирован преимущественно на запросы рыночной конъюнктуры.

Это что-то вроде цеховой оценки, причем достаточно примитивной и не последовательной. Знаменитый американский искусствовед Розенберг писал: "Этот художник известен, потому что он существует как известный художник. Когда вы посмотрите на его работу, вы ничего не увидите в ней. Но он известен, пребывая в качестве известного художника".

В области измерения силы воздействия произведения искусства на потребителя (посетителей музеев, коллекционеров, заказчиков), казалось бы, все проще. При ближайшем рассмотрении, однако, оказывается, что это не так.

Принято считать, что число работников культуры, в частности художников, растет (Магидович, 2003). Это очень сомнительно. Для солидного ответа на вопрос нужно проводить специальные исследования и некоторые арифметические операции, которым здесь нет места.

Ниже приводятся некоторые факты, позволяющие усомниться в наличии прогресса в указанном направлении.

Далее для краткости речь идет о русских. В Средневековье хотя бы раз в неделю крестьяне участвовали в церковных службах, плясали и пели по праздникам. Зимой молодежь собирались на посиделки, общалась, пела, девушки вышивали. Народ создавал, заучивал и слушал былины, сказки, песни. Избы украшались снаружи резьбой, а внутри резьбой и вышивками. В селах и городах строились, расписывались и реставрировались храмы.

В каждой избе и дворце были иконы. Иконопись достигла совершенства в XV в.

В том же веке появляются первые лубки.

В Новое время технологический прогресс привел к появлению и распространению стекольного, фаянсового и фарфорового производств, в которых находили себе место художники. Увеличился выпуск лубочных картинок. В XIX в. только в Московском уезде выпускается до 4 млн. лубков ежегодно. Цена лубка полкопейки за штуку. Выпускники академии пишут картины на холсте маслом, подражая западным образцам. Остекленные окна появляются в избах и обрамляются резными наличниками и ставнями. Ярославские крестьяне говорили, что в плотничьей артели из пяти человек один мастер занимался только резьбой.

Особое место среди украшений дома занимала лобовая доска, расположенная под щипцом (фронтоном). В 1880-е годы, например, за один погонный аршин (0,7112 м) доски (глухая рельефная резьба) платили по восемьдесят копеек. Отделка дома обходилась в 100-150 руб. Корова в то время стоила пятнадцать-двадцать рублей.

Артель из семи человек в течение трех недель заканчивала постройку избы с тремя окнами по фасаду и ее полную резную отделку.

Перед фасадом разбивался хозяином палисадник. В нем кусты сирени, рябина, несколько неприхотливых красиво цветущих многолетников. Над избами то там, то здесь возвышались липы.

Деревня, как правило, представляла собой красиво организованное целое, удачно вписанное в окружающий ландшафт.

В России и в новое время и в более ранние века пишется множество икон. Иконы есть в каждом городском доме, в каждой деревенской избе. Работают несколько сот искусных иконописцев. Если до XVII в. иконы писали только в монастырях, то теперь появились и светские иконописцы. В начале XIX в. только в Палехе работает в сфере искусства 600 человек.

Периодически реставрируются силами Церкви иконы, иконостасы и храмы.

Деятельность государства в области искусства характеризуется следующим образом.

Формально в России до 1758 г. не было учебных заведений, выпускавших работников искусства. Основанная Шуваловым Императорская Академия художеств первоначально имела 38 учащихся. Продолжительность обучения была 9 лет. Лучшие ученики отправлялись на государственный счет за границу.

В 1913/1914 г. в России уже существует одно государственное (260 студентов), восемь общественных и частных высших учебных заведений (7189 студентов) по искусству и искусствоведению (Корелин, 1995).

В 1970 в СССР было 53 высших учебных заведений искусства и кинематографии. В РСФСР, видимо, 38.

По данным Министерства культуры РФ, подготовка специалистов представлена в таблице 1.

Таблица 1

Подготовка работников искусства.

(Данные Министерства культуры РФ)

Годы

1990

1991

1992

1993

1994

1995

1996

1997

Число заведений

38

38

46

47

51

52

56

57

Выпуск в вуз

10467

10997

9222

10336

9506

9518

9754

9762

В общее число вузов также театральные, музыкальные и др.

Приведенные данные не позволяют утверждать, что число людей, занимающихся искусством, растет во времени. Пожалуй, отчетливо прослеживается рост вмешательства государства в эстетическое и идеологическое развитие людей. Широкие массы все меньше оказываются включенными в художественное творчество. Им отводится роль пассивного наблюдателя и слушателя.

Посещаемость картинных галерей в России достигла максимума в Советское время и упала с переходом к рыночной экономике (Козиев и Петрунина, 2008). Сейчас она медленно восстанавливается.

Если учесть рост населения городов, то выходит, что более чем за столетие посещаемость в расчете на 1000 жителей существенно не изменилась.

Конечно, окружающая человека среда меняется. Появилась, например, возможность знакомиться с живописью в Интернете.

Сейчас сократилась доля людей, умеющих рисовать, но зато почти каждый умеет нажимать кнопки на мобильном телефоне. Однако очень не многие пытаются создавать художественные фотографии.

Вероятно, медленный прогресс в сфере искусства все-таки происходит за счет успехов естественных наук, но он идет крайне медленно.

Головин (2001) пишет, что в Европе (Италия) в период Возрождения существовал некий средний уровень цен на произведения искусства, установившийся еще во времена позднего средневековья и ставший традиционным. Разница гонораров ведущих и второстепенных мастеров была незначительной. "Средневековые представления о так называемой справедливой цене еще не были изжиты. "Справедливая цена" основывалась на стоимости использованных материалов, количестве затраченного на работу времени и аналогах оплаты подобного рода произведений". Талант мастера также, конечно, положительно влиял на доход, в первую очередь через число заказов, но это влияние было умеренным. Выводы Головина хорошо обоснованы приведенными в работе цифрами.

По данным Бюро переписи населения в США 2 миллиона художников (трое на тысячу граждан). Современные художники в США делятся на две группы. Первая группа очень немногочисленная, получившая мировую известность, имеет очень большие доходы. Из остальных 94% зарабатывают менее 100 000 $ в год. В России также имеются две упомянутые группы.

В группе известных художников средняя цена картин приблизительно миллион $.

Основная масса продает картины по цене 100 - 150 $ за штуку и имеет доход ниже типичного для среднего класса. Слишком мало сейчас художников со средними доходами и достаточно престижным положением в социальной иерархии. Плохо то, что принадлежность к той или иной группе не зависит от профессионального мастерства художника, большее значение имеет деловая хватка, спонсоры и везение. (Головин, 2001).

Особенно дорого стоят картины уже умерших художников. Например, картина Родко (закончил жизнь самоубийством в 1970 г.) "Белый центр" продана в 2007 г. за 72,8 млн. $. Вероятно, изменение размаха цен связано с развитием рынка, внедрением между художником и покупателем посредника. Аукционная фирма Сотбис основана в 1744 году.

С 1946 г. до конца 50-х годов объем продаж увеличился с 1,5 млн. фунтов стерлингов до 6. В 1980 г. картина английского художника Тернера продана за 6,4 млн. долларов. В 1985 г. картина "Пейзаж с восходящим солнцем" Ван Гога (при жизни художника не стоившая ничего) ушла за 9,9 млн. долларов. В 1987 г. рост прибыли составил 85% от прошлого года, и объем продаж превысил один млрд. долларов. В 1990 г. пейзаж Констебля "Плотина" продан за 10 780 000 фунтов стерлингов. Сейчас положение в области торговли живописью стабилизировалось. Ежегодный оборот фирмы 1 млрд. долларов (История SOTHEBY’S www.sotby.ru/articles/sotby_stat2.html).

Конечно, нужно было бы учесть изменения покупательной способности валют, изменения численности населения, изменения доходов населения, но в этом нет необходимости. Рост доходов посредников увеличился практически бесконечно.

Твердо установлено, что любители не способны отличить хорошую копию от оригинала. Часто это неразрешимая задача и для специалиста, не пользующегося физическими и химическими методами.

В Интернете можно найти много примеров удачных подделок, разоблаченных более или менее случайно. Эти случаи дали мошенникам не только большие деньги, но и долгожданную известность. После разоблачения они стали известными художниками, и их собственные картины и копии стали хорошо продаваться и стоить дорого.

Как правило, копии (в том числе неотличимые от оригинала) стоят неизмеримо дешевле оригинала.

Сейчас появились новые технологии, позволяющие изготавливать высококачественные, можно сказать, точные копии, далеко превосходящие прежние репродукции. Цена таких копий часто на 6 порядков меньше цены оригинала.

Картины старых прославленных мастеров со временем разрушаются. Их пытаются восстановить, но это удается только отчасти, так как реставраторы не видели их такими, какими они были созданы.

Огромная разница цен между подлинниками и копиями - ненормальна.

Приведенные соображения не оригинальны, но бесспорны.

Имеются еще дополнительные косвенные доказательства неблагополучия.

Известность часто достигается примитивными и неблаговидными способами.

Положения, на которых основаны новые направления в искусстве, по существу не новы. Они обычно давно применялись там и тогда, когда мастер считал их уместными (геральдика, вышивки, ковры, пасхальные яйца и т. д.). Чем, например, лоскутное одеяло не "пронизанная внутренним движением уравновешенная асимметричная супрематическая композиция".

Точно так же использование в живописи известных науке особенностей переработки оптической информации человеком (Дали, Магритт, Сэджли, Лихтенштейн) плохо совмещается с данным выше определением искусства. Это фокусы, а не живопись. Художники прошлого самостоятельно нашли не объясненные до сих пор предпочтительные соотношения размеров и цветов, например золотое сечение.

Для приобретения известности не обязательно художественное образование.

В истории периоды расцвета искусства сменяются периодами упадка. Например, в Риме расцвет поэзии приходится на правление Августа. Вергилий, Гораций, Тибулл, Овидий были современниками. До этого момента в течение двух веков наблюдается прогресс, а в первом веке регресс. Далее латинская поэзия прекращает существование.

Очевидно, что сейчас стоимость произведений искусства определяется чем угодно, но не их эстетическими достоинствами.

Это объясняется просто. Рыночный механизм обеспечивает производство не обязательно полезных товаров, а товаров, на которых можно нажиться. Среди товаров есть много полезных, но еще больше бесполезных и вредных. Наиболее яркие примеры последних - наркотики и крепкие спиртные напитки. Утверждения крайних либертаристов о том, что человек сам лучше всех знает, что ему нужно и полезно - абсурдно. Производители и торговцы, опираясь на науку, научились продавать ему множество ненужных вещей. Чем ближе к сегодняшнему дню, тем больше доля таких вещей в товарообороте. В области искусства это в лучшем случае подделки, а в худшем - вообще Бог знает что.

Кто в этом случае оказывается обманутым? Это, как мы видели, не посредники. Это не художники, работающие на рынок. Это не эксперты, особенно те, которые ошибаются ради выгоды. Это даже не всегда покупатели. Часть из них, использующая личную коллекцию как бутылку для хранения денег, часто оказывается в выигрыше, так как в спокойные времена цена коллекций часто растет во времени. Это посетители музеев и галерей, которые стоят перед произведениями Малевича или Ротко, пытаясь что-то в них увидеть. Это налогоплательщики, вынужденные оплачивать не всегда бескорыстные ошибки чиновников, пропагандирующих и оплачивающих искусство.

Возможно, сложившаяся система особенно не выгодна для талантливых художников.

Выше авторы говорили о полезности. Полезным, авторы считают, все, способствующее деторождению и воспитанию порядочных людей, отдающих свои долги. Это биологический критерий оптимальности. Он очевиден.

Полезно то, что способствует созданию внутренне не противоречивой Картины прекрасного мира.

Полезно то, что приносит радость, пробуждает высокие чувства.

Авторы избегали до сих пор высказывать собственное мнение. Сейчас я (Семевский) нахожу возможным высказаться. Как-то моим дочкам велели в школе нарисовать натюрморт. Я им помог. Картинку поместили на выставку детского рисунка. После этого я в свободное время сделал несколько акварельных набросков. Большинству знакомых понравилось, но главное понравилось мне самому. Не картинки, а сам процесс. Нас часто восхищает что-то, но люди так устроены, что не могут долго восхищаться. Когда Вы стараетесь передать красоту средствами живописи, Вы любуетесь ею долго, думаете, в чем она состоит, как ее выразить. Постепенно я понял, что вижу и хочу передать процесс умирания великого русского народа, русской деревни, русского ландшафта.

Акварель нельзя исправить, поэтому у меня накопилось много набросков. Приятели посоветовали устроить аукцион. Выяснилось, что картинки размером 11×17 см уходят по цене до 17 руб. [советских]. Я тратил на картинку от одного часа до трёх. Отсюда я делаю вывод, что мог бы легко зарабатывать на живописи приблизительно столько же, сколько на науке, и считаю себя потенциально профессиональным художником. Люди, понимающие в живописи, говорили мне, что рисовать я не умею, но художник настоящий.

Вероятно, из-за неумения рисовать я не сумел передать свои мысли и чувства. Зрители видели только красоту природы. Автор, конечно, видит больше, чем зритель. Я вижу в своих картинках не то, что мне удалось выразить, а то, что рисовал и что хотел выразить. Вероятно, художественная культура народа выражается прежде всего долей лиц, вовлеченных в художественное творчество.

Почти всё вышесказанное относится к живописи, но признаки неблагополучия можно наблюдать и во многих других областях искусства. Но они либо не столь очевидны, либо хуже поддаются анализу.

Я (Корниенко), студентка факультета изобразительных искусств Московского городского педагогического университета, утверждаю, что, как правило, модными направлениями увлекаются студенты, которые либо не умеют хорошо рисовать, либо имеют больную психику, либо слепо следуют западным образцам и моде.

К сожалению, современный "успешный" художник, для того чтобы хорошо зарабатывать, должен удивлять, поражать, эпатировать зрителя. Хороший современный художник должен, как и прежде, отлично писать и пробуждать своей кистью высокие чувства. В этом отношении он вынужден быть традиционным. При этом он может пользоваться новейшими техническими средствами и разрабатывать новые темы, которые ставит перед людьми катастрофически быстро меняющийся мир.

Мне кажется очевидным регресс в области рисунка (в художественных школах на изучение этого предмета сейчас отводится меньше часов, чем в XIX в.). Искусство портретистов также упало (спрос на портреты с появлением фотографии сократился). Регресс продолжается и сейчас. Он вызван многими объективными причинами, кроме отмеченных выше.

Сейчас модно хулить социалистический реализм. В этом проявляется положительная сторона русской души - склонность к самокритике, но также и ее излишняя широта, приводящая часто к потере чувства меры. В соцреализме плохо не то, что он несколько идеализировал действительность. Любой мастер поступает подобным образом. Плохо то, что многие делали это по указке власти, а не по велению души. Пушкин писал: "Не продается вдохновение, но можно рукопись продать". Не многие следовали этому положению гения, но были и такие. Не нужно забывать, что в области литературы, где давление государства было неизмеримо сильнее, в советское время работали Ахматова, Булгаков, Солженицын, Распутин. В области живописи я бы назвала Пластова, братьев Кориных, Шилова.

В заключение еще раз отметим, что главную причину деградации мы видим в том, что искусство превратилось в товар на современном рынке.